Schon die Idee von Star Wars: Skeleton Crew – ein Abenteuer, das aus der Perspektive von vier Kindern erzählt wird, die zum ersten Mal die weite Welt sehen – lädt dazu ein, neue Welten in satten Farbpaletten zu entwerfen und die Charaktere und Fans zu Hause mit all der Pracht und Gefahr zu verzaubern, die die weit, weit entfernte Galaxis zu bieten hat.
Hinter den Kulissen nahmen die Szenenbildner Doug Chiang und Oliver Scholl die Aufgabe mit all ihrer Erfahrung aus über einem halben Jahrhundert im Filmgeschäft in Angriff. „Etwas, das mich an der Zusammenarbeit mit Oli besonders freut ist, dass unser Teamwork einfach phantastisch ist, weil er eine ganz eigene Perspektive einbringt“, meint Chiang, seines Zeichens Leitender Vizepräsident und Designchef von Lucasfilm. „Ich liebe diese Art des gemeinsamen Arbeitens, weil wir dadurch auf frische Ideen kommen. Er schlägt vielleicht etwas vor, woran ich noch nicht gedacht habe, und so ergibt sich eine großartige Möglichkeit, diese Welt zu erschaffen. Es fühlt sich authentischer an, und ich denke, das ist einer der Punkte, die für Star Wars besonders wichtig sind. Wir wollen ein Gefühl von Authentizität vermitteln.“
Nachdem Chiang als Konzeptkünstler an Filmen wie Zurück in die Zukunft II gearbeitet hatte, war er als Designchef von Star Wars: Episode I – Die dunkle Bedrohung tätig, bevor er als Szenenbildner an Rogue One: A Star Wars Story, The Mandalorian und Ahsoka arbeitete. Scholls erster Job als Szenenbildner in Hollywood führte ihn zu Independence Day, gefolgt von Projekten wie Edge of Tomorrow und Spider-Man: Homecoming, bei dem er erstmals mit den Skeleton-Crew-Machern Jon Watts und Chris Ford zusammenarbeitete.
Dennoch stellte die Erschaffung der Welt At Attin und des Borgo-Raumhafens eine einzigartige Herausforderung dar, ganz zu schweigen von der Onyx Cinder, einem brandneuen Raumschiff-Typ mit Set-Komponenten, die sich um 180 Grad drehen können mussten. Am Ende verknüpfen die Welten von Skeleton Crew eine kühne neue Ästhetik, die an jedem neuen Schauplatz sichtbar wird, mit nostalgischen Verweisen auf Steven Spielbergs Filme der 1980er Jahre
„Wir wollten Spielbergs Filmen unseren Respekt erweisen, aber diese Welt gleichzeitig auf einem Niveau erschaffen, das wir schon immer für Star Wars angestrebt haben“, sagt Chiang. „Wir wollten jedes Einzelbild mit einem visuellen Spektakel füllen und gleichzeitig mit unserem Design die Geschichte unterstützen. Aus meiner Sicht ist es eine der schönsten Serien, die wir je gemacht haben, und sie bietet einen besonderen nostalgischen Touch.“
Unterwegs auf At Attin
Scholl übernahm die Leitung der Gestaltung von At Attin, der ruhigen Heimatwelt der vier jungen Protagonisten Wim (Ravi Cabot-Conyers), Fern (Ryan Kiera Armstrong), Neel (Robert Timothy Smith) und KB (Kyriana Kratter). Der Planet musste gleichermaßen maßlos langweilig und wunderbar sicher sein und sollte die Emotionen der Kinder und ihrer Eltern durch das Aussehen und die Atmosphäre identischer Häuser widerspiegeln, die die ruhige Sackgasse, den Schulbus und die Innenstadt säumen. „Es herrscht ein beklemmendes Gefühl vor“, meint Scholl. „Die Kinder wollen ein Abenteuer erleben, aber sie sitzen dort fest.“
„Klarheit ist wirklich wichtig, um den Fortschritt der Reise zu zeigen“, fügt Chiang hinzu. „Wir haben sehr bewusst verschiedene Farbpaletten eingesetzt, um die Umgebungen voneinander zu unterscheiden. Und das ist eines dieser Dinge, die George [Lucas] damals eingeführt hat. Er hatte sehr klare Vorstellungen in Bezug auf Beleuchtung, Farbe, Textur und Form, damit der Zuschauer immer weiß, wo er sich befindet. Die Farbpalette von At Attin ist beispielsweise die klassische Spielberg-Vorstadtgegend mit dieser wunderschönen Beleuchtung. Es gibt einige Sonnenuntergangsaufnahmen, die sehr nach Spielberg aussehen.“
Der Schulbus erinnert mit seinen blockartigen, rechteckigen Form und den Sitzreihen an die gelben Busse amerikanischer öffentlicher Schulen. „Wir wollten nicht so offensichtlich sein, dass wir ihn auch noch gelb anmalen“, sagt Chiang. „Aber es gibt sehr ähnliche Formensprachen darin und das war sehr spezifisch, weil wir keine Ähnlichkeit zu U-Bahn-Wagen haben wollten. Es ist ein Schulbus, aber eben in der Star-Wars-Variante.”
Selbst die Anordnung der Tische im Klassenzimmer, die Spinde und ein großer Bildschirm hinter dem Droiden-Lehrer wirken sehr vertraut. „Die Anordnung und Struktur der Flure könnte man so auch auf der Erde finden“, sagt Chiang. Es gibt sogar einen Rückgriff auf Scholls frühere Zusammenarbeit mit Watts und Ford, dank des Bühnenbildners Gene Serdena, der auch an jenen beiden Produktionen mitgearbeitet hat. „In Spider-Man: Homecoming hatten wir die wissenschaftlichen Experimente an den Wänden und an den Gangseiten”, erklärt Scholl, „und das haben wir hier genauso gemacht.“
Scholl ließ sich von der erdgebundenen Architektur inspirieren, um die Struktur der Stadt mit ihrem Betondschungel aus in Straßenblocks angelegten Innenstädte und entlang geschwungener Straßen errichteter Vororthäuser festzulegen. „Star Wars hat uns bereits viele verschiedene Städte gezeigt, sowohl glamouröse als auch heruntergekommenen und zerfallene“, sagt Scholl. „In diesem Fall haben wir uns für einen brutalistischen Architekturstil entschieden. Er weist ornamentale Elemente auf, wie in der sowjetischen Architektur, und es gibt auch einige Le-Corbusier-Elemente [des schweizerisch-französischen Architekten Charles-Édouard Jeanneret] in der Stadtentwicklung.“
Auch Stadtentwicklungsstudien im Stil des japanischen Architekten Kenzo Tange boten weiterführende Informationen, die in noch mehr Details Eingang fanden. Außerdem nutzte Scholl ein altes Foto einem inzwischen stillgelegten armenischen Flughafen im brutalistischen Stil als Vorlage. „Ich glaube, er existiert nicht mehr, aber das hat mich zu einigen Gebäudeformen rund um den zentralen Platz inspiriert. Es handelt sich im Grunde um eine Tonne Beton mit Strukturen und Texturen darauf.“
Außerhalb des Stadtzentrums sind die Gebäude weitläufiger und in Erdtönen gehalten, mit markanten und identischen Schrägdächern, die schon von weitem zu sehen sind, und modernen Innenräumen aus der Mitte des Jahrhunderts mit einem Hauch von Science-Fiction. „Als ich E.T. noch einmal sah, war das stärkste Element, das ich sah, die Formen der Dächer”, erklärt Scholl, nur eine Fahrt auf einem Düsenschlitten vom Wald und Abenteuer entfernt.
In der Vorproduktionsphase wurde die weitläufige Landschaft mithilfe von Industrial Light & Magic in der Unreal Engine angelegt, sodass die Regisseure ihre Drehorte in der virtuellen Realität erkunden konnten. „Wir wollten den klassischen Wald aus Star Wars haben und nicht zu sehr verdeutlichen, dass wir uns auf einem fremden Planeten befinden“, erklärt Scholl. „Dies ist ihre Heimat. Sie sind daran gewöhnt. Es geht mehr um das Gefühl des Staunens, dass es da draußen etwas gibt.“
An Bord der Onyx Cinder
Sobald unsere Helden entdecken, dass das, was Wim für einen Jedi-Tempel gehalten hat, in Wirklichkeit ein Schiff ist, wird die Onyx Cinder zu einer Art Zuhause in der Ferne. Die Designer wussten, dass sie eine einzigartige Silhouette schaffen mussten, die auch eine Hommage an andere Star-Wars-Schiffe darstellte. Darüber hinaus achteten sie darauf, dekorative Elemente von bereits etablierten Piratenschiffen aus der dritten Staffel von The Mandalorian einzuarbeiten.
„Raumschiffe sind wirklich schwierig, weil wir sie wie Charaktere behandeln. Sie brauchen Persönlichkeit“, erklärt Chiang. „Und die Onyx Cinder musste unsere Version von etwas sein, das sowohl in designtechnisch, als auch rein von der Form her einen Hauch Magie in die Geschichte trägt. Und wir wollten eine einzigartige Silhouette schaffen.“
Wie beim Rasenden Falken befindet sich das Cockpit an der Seite des Schiffes, wobei diese Version breiter ist, damit die gesamte Besatzung – einschließlich Jod (Jude Law) und SM-33 (Nick Frost) – auf einmal hineinpasst. „Es ist robust. Ich meine, es sieht aus wie ein Schrotthaufen. Und das war auch Absicht“, erzählt Chiang. „Wir wollten, dass es Persönlichkeit hat. Wir wollten, dass dieses Schiff wirklich interessant und wirklich riesig ist, denn wenn die Kinder es entdecken, liegt es auf dem Kopf und dann dreht es sich zur Überraschung aller auf den Kopf. Das ist das Schöne an der Zusammenarbeit mit Watts und Ford; sie lieben diese visuellen Tricks, um das Publikum aus dem Gleichgewicht zu bringen. Sobald man dann erkennt, was man da vor sich hat, freut man sich und denkt sich:Wow, das ist ein wirklich cooles Raumschiff!”
Die sechs Triebwerke an der Außenseite des Schiffs sorgen für die Rotation, während die schwarz-weißen Streifen auf dem Rumpf an die Piratenvergangenheit des Schiffs erinnern und dazu beitragen, das Schiff optisch mit dem Rest der Flotte aus The Mandalorian zu verknüpfen. „In der dritten Staffel hatten wir diesen Kreuzer mit diesen sehr markanten Zebrastreifen, und er bildete die Grundlage für die Piraten in unserer Serie“, sagt Chiang. „Der Ausgangspunkt waren die Panzerschiffe aus dem amerikanischen Bürgerkrieg von 1860“, fügt Scholl hinzu. „Wir stießen auf dieses Schwarz-Weiß-Bild, das diese dampfbetriebenen Schiffe zeigte. Sie sehen aus wie Tarnkappenschiffe, weil sie nur aus diesen Blöcken mit diesen abgeschrägten Griffen aus dickem Panzerstahl bestehen.” Diese Form wurde zur Inspiration für die Nase der Onyx Cinder. „Die anderen Elemente, die klassisch für Star Wars sind, wenn man sie sich ansieht, haben wir faktisch von anderen Schiffen entlehnt“, fügt Scholl hinzu. „Die Art und Weise, wie die Oberfläche viele Details aufweist, Dinge, die ihr Größe verleihen, so etwas eben. Wir haben dort zwei klassische kreisrunde Geschützpforten. Wir haben die große Laderampe und die Motoren, die oben und unten an den Tragflächen montiert sind.“
Im Inneren fügten Designer und Bühnenbildner Kisten, Fässer, Netze und Seile hinzu, um ein Set in Lebensgröße zu gestalten, das auch auf den Kopf gestellt werden konnte, komplett mit langen Gängen von jeweils bis zu 45 Metern Länge, die den Figuren viel Platz zum Herumlaufen bieten. „Man kann nicht zwei Sets bauen, eines mit der richtigen Seite nach oben und eines verkehrt herum“, sagt Scholl. “Wir mussten uns etwas einfallen lassen, um einige Schlüsselelemente im Innenraum des Schiffs so anbringen zu können, dass sie an der Decke oder auf dem Boden sein konnten, und der Rest war symmetrisch.“
„Für Jon Watts war es sehr wichtig, dass es diesen magischen Moment gibt, in dem sie ins Cockpit gehen und die Frontscheibe fast wie einen Spiegel sehen“, fügt Chiang hinzu. „Wim sieht sein Spiegelbild und weiß noch nicht, dass er sich in einem Raumschiff befindet. Als das Schiff tatsächlich anfängt, sich umzukippen, wird die Frontscheibe zur Windschutzscheibe, die flach sein musste, damit wir diesen Effekt erzielen konnten.“ Um die wahre Natur von Wims Entdeckung weiter zu verschleiern, wurden die Sitze so konstruiert, dass sie sich umklappen lassen und ihre wahre Form auf den ersten Blick nicht sichtbar ist. „Das war mit vielen Herausforderungen verbunden“, erklärt Chiang. „Oli und ich mussten bei der Gestaltung sehr clever vorgehen, damit es, wenn es wieder aufrecht steht, immer noch die gleiche Grundfläche hat.“ Ein ausziehbares Bedienfeld vervollständigte den Effekt für das Cockpit, während das Team an anderer Stelle auf dem Schiff die Gänge mit markanten Strebepfeilern definierte, die vom Boden zur Decke verschoben werden konnten, um den Kopfüber-Effekt zu vervollständigen.
Ein Piratenhafen im Sternenmeer
Die erste Station des Abenteuers ist der Piratenraumhafen Borgo! Das aus einem Asteroiden herausgearbeitete Design mit Blick auf einen schimmernden blauen Nebel erinnert an nautische Elemente und einen Kai am Meer. „An der Vorderseite gibt es buchstäblich eine Promenade“, bemerkt Scholl und verweist außerdem auf die quasi schwimmenden Anlegestellen, an denen riesige Besucherschiffe festgemacht sind. „Wir haben die Schiffe so angeordnet, als würden sie auf dem Wasser schwimmen“, fügt Chiang hinzu.
Wie bei einer mittelalterlichen Stadtfestung sind verschiedene Ebenen in den Felsen gehauen, die sich nach unten verjüngen, dort, wo in der Brigg Schurken und Halunken unter Verschluss gehalten werden. Die Bühnenbildner fügten Fässer und andere kleine Details hinzu, um dem Hafen ein geschäftiges Flair zu verleihen. „Statt Hühnern sieht man Kisten mit exotischen Kreaturen“, erklärt Chiang. „All diese Dinge tragen zur Lebendigkeit dieser Welt bei. Borgo war eine wirklich unterhaltsame und herausfordernde Umgebung. Es war ein langer Entwicklungsprozess, aber ich denke, wir haben den richtigen Ton getroffen. Eine der Herausforderungen für uns war, dass wir schon so viele Raumhäfen und Schmugglerstädte gesehen hatten, und wir wollten, dass wir hier etwas Neues sehen“, fügt Chiang hinzu.
“Anstatt unseren Raumhafen also im Weltraum zu platzieren, haben wir ihn in einen Nebel gesetzt, sodass man dieses schöne blaue Licht hat, das an Wasser erinnert. Das war wirklich wichtig, denn wenn man sich das Design ansieht, ist es wie eine Bucht geformt. Und es ist sehr spezifisch, weil wir versuchen, auf Dinge zu verweisen, die wir vielleicht instinktiv kennen, aber beim ersten Anblick nicht ganz identifizieren können. Und wenn man sich Filme wie Fluch der Karibik ansieht, sind Inselverstecke sehr spezifisch gestaltet. Sie sind alle gleich aufgebaut. Und die Beleuchtung war wirklich entscheidend, denn das Blau vermittelte das Gefühl von Wasser, ohne dass es Wasser war. Dieser Piratenhafen soll versteckt sein, er soll geschützt im Weltraum liegen.“
Anstelle von Ruderbooten entwarfen die Designer blasenartige Beiboote, darunter eines, das von einem Teek betrieben wird. „Diese schwimmenden Taxis waren wirklich wichtig, denn in unserer Welt funktionieren sie wie die Ruderboote, die sonst von den Piratenschiffen zum Dock fahren”, fügt Chiang hinzu. „Wir haben ihnen diese wirklich interessante Eigenschaft verliehen, sodass sie sehr zerbrechlich aussehen und man die Passagiere darin sehen kann. Wir nehmen also etwas Klassisches, Vertrautes, und dann machen wir es etwas exotischer. Ich liebe es sehr, wenn wir das tun können, denn ich finde, dass die Magie von Star Wars darin besteht, vertraute Rückbezüge auf den Kopf zu stellen.”
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